ISRAEL ARIÑO EN EDICIONES ANÓMALAS


Ediciones Anómalas consolida su andadura en el mundo editorial con la publicación de Atlas, de Israel Ariño, un libro que navega por los territorios de la poesía y se desliza por los espacios de la imaginación. Es el segundo libro de esta joven editorial barcelonesa y con él, mantienen el exquisito cuidado en la edición que ya dejaron ver con su primer trabajo.
Atlas es una respuesta personal al reto de representar el nomadismo de la propia vivencia. La mirada de Israel Ariño se desliza por la realidad y se transforma en un mundo insólito y atemporal, captado e inventado al mismo tiempo: en sus fotografías emergen cosas y sensaciones que no estaban ahí de antemano y que se hacen presentes cuando se materializa la imagen y alguien la mira después. Sólo entonces se hace visible la poesía que permanecía agazapada en la copa de unos árboles, en una figura entrevista, los reflejos en un río, en el gozo de un instante de abandono, en una fantasmal medusa o en un barco velero que en la lejanía parece el juguete de una infancia ya perdida.
Ha sido publicado en una tirada de 400 copias numeradas: 300 ejemplares para la edición estandar, una edición especial de 75 ejemplares con una copia original, y una edición coleccionista de 25 ejemplares que incluye tres fotografías y un fotograbado presentados en una carpeta de artista elaborada por Àngels Arroyo. La primera presentación del libro tendrá lugar en La Retratería (C/ Mozart 14, del barrio de Gracia de Barcelona) el próximo viernes 14 de diciembre a las 19:00 horas.


Israel Ariño se licenció en Bellas Artes y cursó sus estudios de fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). En el año 2006 crea la editorial Les Editions Impossibles; y en 2007, junto con Arangela Regis, Martí Llorens, Xavier Mulet y Rebeca Mutell crea el colectivo Atelieretaguardia. Desde el año 2005, ha publicado cinco fotolibros y otros tantos libros de artista. Su obra se ha expuesto regularmente en España, aunque es en Francia donde ha tenido una mayor acogida y repercusión.


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NUEVOS TÍTULOS EN ERRATA EDITIONS


La serie Books on Books de la editorial neoyorquina Errata Editions sigue creciendo devolviendo a la luz esos libros descatalogados, raros o carísimos que a todos nos gustaría tener entre las manos. Sin la pretensión de hacer reediciones, ellos optan por hacer reproducciones fotográficas en libros fotográficos, con extensos ensayos sobre la obra que reproducen; algo que viene muy bien para profundizar en el estudio de algunos autores que han marcado puntos de inflexión en la historia de la fotografía.
Errata Editions publica libros con un alto valor educativo y cultural para ponerlos a disposición de una amplia audiencia, con una especial atención a los fotolibros raros, que son imposibles de conseguir para estudiantes y nuevas generaciones de fotógrafos. Somos un grupo de profesionales de la fotografía, el diseño y la docencia que compartimos un común amor por la fotografía y el arte de los libros.
En esta ocasión, y después de un anuncio demasiado prematuro, por fin tenemos los cuatro nuevos libros de la colección: Sweet Life (Ed Van der Elsken), 122 Color Photographs (Keld Helmer-Petersen), The Banquet (Nobuyoshi Araki) y Drum (Krass Clement).

Sweet Life es uno de los libros más importantes y reconocidos de la fotografía holandesa. En la línea de On the Road o Los Americanos, Ed Van der Elsken traza en Sweet Life un viaje alrededor del mundo que, aunque en el contenido sea más similar a Los Americanos, en el fondo y la forma tiene más que ver con el New York de Klein. Juega con asociaciones libres, dobles páginas, ritmos cinematográficos... Otra de las particularidades del libro fueron las seis portadas con las que se editó, una diferente para cada país en el que se publicó.

122 Color Photographs es un sorprendente trabajo publicado originalmente en 1948 que se adelanta más de veinte años a la aceptación del color por las instituciones artísticas. Se podría decir que el fotógrafo danés Keld Helmer-Petersen sentó las bases de lo que posteriormente sería el trabajo de Stephen Shore o William Eggleston, haciendo ese tipo de fotografías que solo funcionan en color.

The Banquet quizá no sea el libro más representativo de Araki, pero combina de forma magistral dos tipos de imágenes que no tienen nada que ver: por un lado fotografía platos de comida de una forma un tanto comercial, en color, con flashes anulares y objetivos macro, y por otro, después de enterarse de que su mujer morirá en breve, hace lo mismo en casa pero con negros muy cerrados. Es, en definitiva, un homenaje a su última esposa a través de un foto-diario de las comidas que compartieron.

Y Drum, de Krass Clement, pasó a la historia como un trabajo realizado en una noche con tres rollos de 35 milímetros. Sin embargo, la noche que paso en ese bar irlandés suspendido en el tiempo, supone un ensayo sobre la vida contemporánea, sobre la alienación, la vida en comunidad o el miedo a la soledad.

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NUEVA ESCUELA EN CÓRDOBA


Acaba de nacer una nueva escuela de fotografía en Córdoba. Se llama Blow Up (Escuela y Cultura Fotográfica) y esuna iniciativa de Andrés Cobacho, con la colaboración de nuestro José Juan Luque, uno de los ganadores de las Becas Invernadero. Ambos fotógrafos cordobeses han recibido diferentes premios, como el del London Festival of Photography, las becas del Seminario de Fotografía de Albarracín o Blank Paper.
"BLOW UP Escuela y Cultura Fotográfica nace de la pasión por la fotografía, con la idea de ofrecer una formación actualizada, de calidad y asequible para todos los públicos.
Especializada en fotografía documental y de autor, BLOW UP cuenta con una amplia gama de cursos y talleres que permiten alcanzar un alto nivel de conocimientos técnicos, expresivos y narrativos, impartidos por profesionales de la fotografía en activo.
De manera adicional, y para fortalecer su acción formativa y contagiar la pasión por el medio fotográfico, BLOW UP Escuela y Cultura Fotográfica, mediante sus programas de exposiciones, proyecciones, charlas y presentaciones; se convierte en un espacio en el que se aborda el estudio, desarrollo y comunicación de la fotografía, desde una perspectiva renovada, fresca, y en continua evolución".
El 1 y 2 de diciembre BLOW UP inicia su programación de Talleres de Autor con David Jiménez, "Lo que guarda una imagen". Aprovechando su presencia en la ciudad, David ofrecerá una conferencia abierta el 30 de noviembre a las 20,00h.

Con motivo de la presentación del espacio, se inauguró la exposición BLACK ICE, MOSCOW, del fotógrafo Salvi Danés. El trabajo se podrá visitar hasta el próximo 15 de diciembre.

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NACE CASA//ARTE


CASA//ARTE es una nueva feria de iniciación al coleccionismo que está a punto de nacer en Madrid, con el objetivo de "acercar la compra de arte contemporáneo a un público más amplio del habitual". Una feria diferente, nos cuentan sus organizadores, "pensada tanto para el no iniciado en la compra de arte como para el coleccionista experto en busca de nuevas propuestas y artistas. Una forma más cercana, amable y atractiva de comprar arte". Por eso, los precios serán asequibles y estarán a la vista, por si nos da vergüenza preguntar (entre 200 y 1800€).

La feria la impulsan la magnífica Galería Blanca Berlín, que ya nos sorprendió en el pasado Madrid Foto con las imágenes de Veru Iché a precios más que asequibles, y Pablo Alemán, Director de La Fundación. Se celebrará entre los próximos días 18 y 23 de diciembre, en la nueva sede del Colegio de Arquitectos de Madrid, en pleno centro de la ciudad (c/ Hortaleza). Habrá dos secciones, la General, integrada por las 25 galerías seleccionadas, y Emergentes/Solo projects, un programa pensado para aquellos artistas que nunca han sido representados por una galería (en su web te explican cómo participar). También ofrecen la oportunidad de colaborar como voluntarios a aquellas personas interesadas en vivir de cerca la organización de una feria de arte.

Con el fin de garantizar la calidad artística tanto de las galerías participantes como de los artistas expuestos, CASA//ARTE ha contado con la colaboración de un comité de selección formado por un selecto grupo de expertos: Javier Vallhonrat, artista y Premio Nacional de Fotografía; Leyre Bozal, conservadora de la Fundación Mapfre; Alejandro Castellote, comisario y crítico de arte; Enrique Vallés, coleccionista y vicepresidente de la Asociación 9915, y la propia Blanca Berlín.

Nosotros vamos a colaborar con ellos como Media Partners, así que les daremos cobertura desde aquí hasta que arranque la feria y luego nos trasladaremos a Madrid, el fin de semana, para vivirla de cerca y compartir con vosotros lo que por allí descubramos.
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ALMA, HIJA DE LA VIOLENCIA


Ahora que los géneros visuales se mezclan en algo que los teóricos aún no han acertado a describir y poner nombre, nos hemos encontrado este documental web del fotógrafo de la agencia VU Miquel Dewever-Plana y de la periodista y escritora Isabelle Fougère.

Alma, hija de la violencia es un desgarrador testimonio de una integrante de las maras guatemaltecas que profundiza en la violencia de uno de los países más duros y violentos del planeta. Los planteamientos vitales de los integrantes de estas “pandillas” son del todo incomprensibles para alguien que vive en “nuestro mundo”; y que después de ver el documental puede continuar siéndolo. Tras años de guerra y genocidio, los territorios mayas siguen sufriendo la violencia provocada por la pobreza, el analfabetismo, el desempleo, el narcotráfico y la discriminación.

Éste es, sin duda, uno de los audiovisuales más duros que puedo recordar; pero también expone de una forma cruda y sin tapujos una realidad que está ahí y que, de una forma o de otra, se respira en las calles de Guatemala. Si añadimos que, en un mundo que el imaginario siempre ha asociado a lo masculino, quien cuenta su experiencia es una mujer, el testimonio se convierte en algo desgarrador.

El formato del audiovisual es interactivo: por un lado aparece Alma contando su experiencia en primer plano, y de forma simultánea podemos acceder a las piezas de video, fotografías, ilustraciones y animaciones que ilustran sus palabras. En todo momento podemos elegir entre ver las expresiones de la protagonista mientras cuenta la historia o las imágenes a las que evocan sus palabras. Son cuarenta minutos de intensidad tal que requieren dedicación exclusiva.

El documental es una coproducción de Upian, el canal Arte y la agencia VU; con los textos y entrevista de Isabelle Fougère, las fotografías y videos de Miquel Dewever-Plana y las ilustraciones de Hugues Micol.

Miquel Deweve-Plana lleva trabajando más de diez años en las tierras mayas. Fruto de este trabajo ha publicado varios libros: La verdad bajo la tierra: Guatemala, el genocidio silenciado, Mayas, Hach winik y La otra guerra. Este último emparentado directamente con el audiovisual y que aborda esa guerra no declarada que sufre Guatemala de mano de las maras, las pandillas ultraviolentas que atemorizan y extorsionan a la población.

Todos los libros estaán publicados en español por Blume.
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EL BARRIO DEL MOLINETE VISTO POR JOSE Mª RODRÍGUEZ

Jose Mª Rodríguez
 
 
Pocos fotoperiodistas hay en la región de Murcia con un trabajo tan impecable -y lamentablemente tan oculto y desconocido- como José María Rodríguez Valero. Una oportunidad para conocer uno de sus primeros proyectos de autor es visitar su exposición El Molinete, años 80, en la gintonería Mazinger de Cartagena (C/ Juan Fernández, 65), que el bueno de José Mª inauguró el pasado jueves, acompañado por compañeros fotoperiodistas y amigos como el fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos y el pintor Gonzalo Sicre. Una docena de fotografías en blanco y negro que nos enseñan la peculiar atmósfera del desaparecido barrio cartagenero.  

Jose Mª lleva trabajando casi tres décadas para diarios locales de Murcia. Ha impartido clases de fotografía en la Universidad Popular de Cartagena y participado en varias exposiciones, entre las que destacamos su presencia en “Arco 85”, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1986) o en el pabellón murciano de la “Expo 92”.

"Hacer fotos en el Molinete, antiguo barrio de prostitución de Cartagena, no era tarea fácil en aquellos años y aun más para un principiante; a no ser que a esta combinación el fotógrafo aportara pasión desmedida. Y no solamente de ella se valió, sino que además supo acompañarla de una mirada y frescura extraordinaria.
Este trabajo nos deja, sin duda, el recuerdo de un barrio típico, popular y, aun así, marginal de una Cartagena perdida en el tiempo, que no en la memoria para aquellos que la vivimos. Y lo que es mejor, para aquellos que no la conocieron. Es la fuerza de la fotografía escrita y narrada con mayúsculas, al hilo de otros fotógrafos que igualmente supieron contarla en la época en la que les toco vivir, como lo hizo el gran Joan Colom del barrio chino (actual Raval) de Barcelona. O Joaquin Collado, en Valencia. 
La obra de Joan Colom ha sido premiada con el Premio Nacional de Fotografía en el año 2003 y tanto su trabajo, como el de Joaquín Collado, se exponen en los mejores espacios expositivos, auspiciados por los respectivos responsables de sus gobiernos autonómicos, el catalán y el valenciano. La de este buen fotógrafo se encuentra guardada en sus archivadores, esperando que algún alumbrado y responsable cultural de esta comunidad quiera tenerla en cuenta algún día." (Díaz Burgos).
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LA FOTOGRAFÍA QUE NO HICE (I)


Inauguramos nueva sección en el blog. Como a veces hay que descansar de tanta imagen, os proponemos leer e imaginar esa foto que no vamos a publicar. Este texto es de Eva Rufo, una de mis alumnas en el Máster de Lens pero es animamos a mandarnos vuestras fotografías inolvidables, esas que se clavan en el alma y te arrepientes cada día de no haberlas hecho... Cuéntanos lo mejor que puedas qué viste y por qué no la hiciste, y si conseguimos compartir esa imagen contigo, si leyéndolo nos imaginamos esa fotografía perdida, la publicamos!

"Me levanto de la cama, acabo de mudarme a mi nueva casa, y aún no sé cómo se comporta la luz con ella. De camino a la cocina un haz de luz, como un rayo poderoso, atraviesa la habitación hasta encontrarse con la librería, aún sin libros.

Me quedo de pie, contemplando el espectáculo: miles de pequeñas motas de polvo en suspensión bailan dentro del haz. Cojo la cámara, intento capturarlas, pero al minuto la luz ha seguido su camino y ya no puedo verlas.

Las cosas aparecen cuando las iluminas."
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MOMEÑE EN PEGUERINOS

Eduardo Momeñe
La Fundación, una iniciativa dirigida por Pablo Alemán para la promoción del arte y la cultura, presenta un nuevo ciclo de sus Talleres de Invierno, que se celebran en La Casa de la Cueva, un refugio de media montaña situado en el entorno de la Sierra de Guadarrama, a 7 km de Peguerinos (Ávila) y 14 km de El Escorial. Este año los invitados son Eduardo Momeñe (5 -9 diciembre) e Iñaki Domingo (fechas por confirmar).

El taller de Eduardo lleva por título "La visión fotográfica. Hacia la comprensión del medio fotográfico", como su imprescindible libro, que ya va por la quinta edición, algo absolutamente inusual en el panorama nacional. Momeñe es fotógrafo y ha escrito numerosos artículos y ensayos sobre estética fotográfica, aunque la enseñanza de la fotografía ha sido clave en su forma de entender la creación fotográfica. Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios y entre sus alumnos se encuentran fotógrafos de reconocido prestigio. Proyectos tan importantes como la serie de televisión La Puerta Abierta o la revista Fotografías, realizados en la década de los noventa, están considerados obras de referencia dentro de la difusión de la Fotografía, con mayúsculas, en nuestro país.
 
"Si las cosas pueden definirse por lo que no son, éste no es un taller de especulación, ni de reflexión abstracta acerca de la fotografía, sino un intento de comprensión del medio fotográfico para que nuestras fotografías sean más conscientes, y por tanto más inteligentes. Nuestra formación fotográfica es la base de nuestra práctica fotográfica, de nuestra capacidad para obtener imágenes más sólidas. 
(...) Todo ello se combinará con la práctica fotográfica en el incomparable marco natural de los bosques de Guadarrama. Realizaremos fotografías de figura con paisaje, plantearemos posibles acercamientos que pueden darse en la toma y se estudiará la problemática del encuadre y del lenguaje corporal, una labor de dirección fotográfica".
 
El precio del taller es de 385€ (este año han quitado la beca que daban de matrícula pero, a cambio, han rebajado el precio 75€ respecto al año anterior) e incluye matrícula, estancia y pensión completa, del 5 al 9 de diciembre. Así que, si no tienes un plan mejor, como ir a Londres a visitar las dos superexposiciones que hay, aprovecha el puente y disfruta con el gran maestro del que tanto hemos aprendido tantos!

La Fundación mantiene este año una beca para la producción de proyecto expositivo entre todos los asistentes a los Talleres de Invierno 2012.
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DANA POPA DOCUMENTA EL INFIERNO

Dicen que Don DeLillo, mientras escribía Mao II, trabajaba con dos carpetas, a una la llamaba “arte” y a la otra “terror”, nunca será el único. ¿Quién se atreve a describir el trabajo de Dana Popa, “Not Natasha” de “maravilloso”, si no es con otra carpeta a su lado que rece “terrible”?

Dana Popa (Rumania, 1977), bajó a los infiernos de la mano del Open Society Institute para documentar lo que queda de un grupo de mujeres que han sido víctimas del trafico sexual durante años.

Dana Popa, de la serie "Not Natasha" (2006)
 
Explica que son engañadas por amigos, por vecinos que les prometen un trabajo en la ciudad que las va a sacar del hambre y la pobreza. Son mujeres que jamás hubieran abandonado su aldea. Su pecado es que no fueron capaces de intuir que lo peor las esperaba tras la puerta de sus casas. Retratos de lo que queda de unas mujeres que sobrevivieron a la sordidez, al canibalismo y al inframundo.

Los depredadores ya no viven entre baobabs, ahora llevan planchados los cordones de los zapatos y beben Veuve Clicquot entre millonarias obras de arte, como si eso fuera a apagar el ruido de fondo que, de noche, a solas, emite su eterna maldad.
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LA LEVEDAD DE MONTI




 
Francisco José Sánchez Montalbán "Monti" (Cartagena, 1964) es, además de profesor titular de fotografía de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada (donde se doctoró en Bellas Artes y se licenció también en Antropología), fotógrafo

Mañana inaugura la exposición El prodigio de la levedad en el Palacio Molina de su ciudad natal. Monti desarrolla su vida profesional en Granada, donde también ha comisionado alguna exposición y dirige la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad. Asimismo, es autor del manual de fotografía Bajo el instinto de Narciso.  

Para él esta muestra, con una selección de imágenes realizadas en los últimos 20 años, es también una especie de homenaje a la ciudad de sus orígenes, donde sólo ha expuesto en una ocasión. 



"El Prodigio de la levedad es una selección de fotografías que hablan de cosas sencillas, de una manera de descubrir y reconocer sensaciones que la vida ofrece para ser enmarcadas por la mirada y rescatadas del tiempo. Es una forma de certificar que la vida va sucediendo entre acontecimientos extraordinarios que ocurren mientras nosotros nos dedicamos a otros asuntos. Los fotógrafos asumimos en muchos casos un compromiso de redención e interpretación y nos lanzamos a corazón abierto a una caza encubierta de esos instantes verdaderamente prodigiosos. Por ello, la selección de estas fotografías está realizada a partir de imágenes que a lo largo de los últimos años han ido construyendo un catálogo de trofeos sobre la vida y sus protagonistas, una colección de experiencias desde la mirada clandestina, a veces sorprendentes, otras irónicas, otras críticas."

 
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L'INASSOLIBLE ¿REALMENTE INALCANZABLE?


L’Inassolible, de Roger Guaus, es mucho más que un libro que explora en el archivo familiar. Es una experiencia que nos traslada, de la intimidad más absoluta de Guaus, a la universalidad de las relaciones familiares. Es un canto a la generación de nuestros padres, a sus valores y su manera de estar en el mundo. Es una maravilla.

El texto de su padre, Manel Guaus, “Reflexiones de un padre de cincuenta años”, es el hilo que nos conduce, de la intimidad de un padre con su hijo, a los deseos de todo padre para sus hijos. Las fotografías del álbum familiar, las propias fotos del autor, el papel, los textos... se abrazan en un conjunto redondo que nos traslada a un territorio a medio camino entre la melancolía y las ganas de seguir creciendo.

Las diferentes voces presentes del libro se unen bajo la edición de Guaus para crear un discurso profundamente personal, enraizado en su memoria que es, en lo esencial, común a toda una generación.
Hemos vivido casi veintisiete años juntos y hemos pasado momentos buenos y malos. Los buenos no hace falta nombrarlos ya que dejan un buen recuerdo; de los malos sólo quiero decirte que soy consciente que muchas veces han sido por mi culpa, reconozco mis “neuras” y es por ello que te pido que me sepas perdonar, tal vez el exceso de celo por ti, las ganas de que pusieras lo mejor, el buscar la absurda perfección a la que estoy dedicado toda la vida (qué equivocación) hicieron que mi grado de exigencia hacia ti fuera exagerado. Esto, evidentemente, conduce a tensiones muchas veces innecesarias y absurdas.
                                                                                                                                        Manel Guaus
El trabajo está publicado por la Ca L'Isidret Edicions, un proyecto editorial integrado por el propio Roger, Aleix Plademunt y Juan Diego Valera, que les sirve de plataforma para publicar sus trabajos más personales.

Quizá sea inalcanzable, pero Roger lo roza con su L’Inassolible. Y por si quedaban dudas, no, no es un libro más de las intimidades de un fotógrafo.
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CRISTINA GARCÍA RODERO EN BLANK PAPER


El próximo jueves 15 de noviembre, a las 19,30h, la gran Cristina García Rodero impartirá una charla abierta en Blank Paper (Madrid), en el marco del curso Nuevo Fotoperiodismo. La entrada es libre hasta completar aforo. Para los que se queden con ganas de más, el 1 y 2 de diciembre impartirá un taller también en la misma escuela.
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ENTREVISTA CON DANIEL MAYRIT


Tuve la suerte de conocer a Daniel Mayrit (Madrid, 1985) en este último Scan (Tarragona). Bueno, en realidad nos conocimos antes, tomándonos unas cervezas en una de esas plazas tan agradables que tiene la ciudad romana. Su manera tan consistente de hablar sobre la fotografía me llamó mucho la atención y el flechazo fue instantáneo. Al día siguiente me acerqué a visionar su trabajo y lo que ví me gustó aún más. En realidad, la noticia corrió como la pólvora y el segundo día del Full Contact, Daniel no daba abasto para atender a todos los que querían ver lo que hacía.

Daniel Mayrit nació en Madrid y es Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Pero enseguida comprendió que si quería dedicarse en serio a esto, tenía que volar. Y se fue primero a Copenhague, a estudiar Cine, y luego a Londres, donde reside en la actualidad, después de graduarse hace años en Fotografía por la Universidad de Westminster.

Su trabajo se podría ubicar en ese terreno tan atractivo que queda entre la ficción y lo documental, donde tantos autores contemporáneos están acampando, aunque él lo aborda desde una perspectiva política e informativa que se agradece mucho y lo lleva más allá, construyendo imágenes que suceden "antes de los hechos" e implicando siempre y significativamente al espectador en el proceso. En su statement él mismo lo explica así:

"Mayrit explora las fronteras entre estas dos prácticas, dando como resultado imágenes difíciles de encasillar dentro de ninguna de estas dos categorías, dejando así abiertas preguntas sobre si han sido cuidadosamente preparadas o han sido producto de la fortuna. Para ello, sus proyectos hacen uso del imaginario proveniente de diferentes medios, desde la prensa tradicional a internet pasando por el arte clásico. Su objetivo no es poner en evidencia la artificialidad de todos esos lenguajes o procesos de creación de imágenes, sino cuestionar y desafiar las preconcepciones y expectativas del espectador e invitarle en última instancia a ser consciente de un determinado discurso y agenda."

Su proyecto "Suburban scenes" (que fue uno de los que nos presentó, montado en magníficas cajas de luz, como si de monitores de ordenador de tratase) habla de los días previos a las revueltas de Londres del verano del 2011. Para ello, Daniel se trasladó al barrio de Tottenham, donde empezó todo, y buscó esas imágenes que ni los medios tradicionales ni internet nos habían mostrado, esos encuentros, esas miradas furtivas, esos desasosegantes martillos en manos de personas "sospechosas", esos callejones con puertas laterales semiescondidas... buscó a las personas y esos escenarios donde se supone que se fraguó todo lo que vino después y allí construyó su historia, para recordarnos la incapacidad de la fotografía como medio para representar tantos temas.



En "The intolerable image" vuelve a meter el dedo en la llaga del fotoperiodismo para mostrarnos las imágenes censuradas de algunos conflictos cercanos, imágenes llenas de dolor y muerte que parece que duelen menos cuando son otros los que sufren, como tan bien explicó Susan Sontag en su libro "Ante el dolor de los demás", pero que duelen más cuando son "los nuestros" los que mueren. Su objetivo es "explorar la reacción del espectador al ser confrontado con imágenes aparentemente familiares pero cuyos sujetos no encajan dentro del estereotipo generalmente establecido."


Como me quedé con muchas ganas de hablar más con él, hace unos días le mandé una entrevista vía email, que él respondió inmediatamente y con estusiasmo. Y ahí va lo que me contó. Espero que lo disfrutéis tanto como yo. Muchísimas gracias, Daniel!

***
Cómo y cuándo empieza tu relación con la fotografía. 

Pues de una forma bastante poco romántica y poco tradicional. Yo estaba estudiando cine cuando vivía en Madrid y quería ser director. En algún año de facultad decidí cursar la optativa de Fotografía porque todo el mundo sabía que era la típica maría. Lo que pasa es que una vez que me fui metiendo en ello vi, por un lado, que era un medio que me resultaba más afín para el tipo de cosas que yo quería contar, y por otro, que el control sobre la obra en términos creativos y de producción era potencialmente mayor en la fotografía que en el cine. En realidad fue una decisión más racional y meditada que algo natural y romántico. Para serte sincero yo no tuve una cámara de fotos hasta los 20 años.



Cuál ha sido tu trayectoria formativa.

Estudié primero Comunicación Audiovisual en la Complutense de Madrid (de ahí que haya acabado en Londres), a la vez que dirección cinematográfica en una Escula de Cine, el NIC. Viéndolo en perspectiva creo que aunque no haya acabado dedicandome al cine sí que hay una influencia de éste y de la teoría de los medios de comunicación bastante importante en mi trabajo.

Después de eso, estudié en la Universidad de Copenhague, en Dinamarca, donde viví un par de años. Fue interesante en el aspecto formativo, pero fue más relevante a nivel personal. Es un país que me enseñó a ver el mundo de una manera bastante diferente a cómo se ve desde España.

Por último, di el salto a Londres para estudiar fotografía artística en la Universidad de Westminster, que fue la revelación definitiva y donde aprendí casi todo lo que sé hoy en día, no sólo en cuanto a técnica sino sobre todo en cuanto a planteamientos teóricos.

  
Qué fotógrafos te interesan más y cuáles te interesan menos.

Me interesa la gente que tiene algo que contar sobre el mundo, que tiene una preocupación por las cosas que pasan en nuestro tiempo y que sabe enmarcarlo dentro del momento histórico en el que se encuentra el discurso del arte contemporáneo.

Para mi es fundamental que la fotografía (y el arte en general) se cuestione absolutamente todo, que luche contra el status quo y que haga avanzar las fronteras del propio medio fotográfico y de la sociedad en que vivimos.

Supongo que por el tipo de fotografía que yo mismo hago me interesa mucho la gente que trabaja con tableau; evidentemente Jeff Wall (aunque le encuentro muchos ‘peros’), Hannah Starkey, Mathew Baum, Tom Hunter, Mitra Tabrizian... en este sentido dos fotógrafos a los que no me importaría parecerme son Mohammed Bourouissa y Juul Hondius. También gente de los New Topographics, Escuela de Dusseldorf, la fotografía conceptual de los 70 post-‘New Documents’, Chanarin y Broomberg... hasta el net.art me parece interesantísimo.

Habiendo dicho todo esto, también he de añadir que a la hora de buscar referencias para mis fotos siempre tiendo a mirar más a la pintura que a la fotografía, sobre todo a los clásicos europeos del XVIII y XIX, a la pintura histórica y al hiperrealismo americano del siglo XX. La verdad es que la escuela realista norteamericana está tremendamente infravalorada y su relación con la fotografía es muy reveladora.

Por último, lo que menos me interesa son, por un lado, las historias personales, y por otro, el fotoperiodismo y la fotografía documental tradicional. Creo que generalmente ambos, por diferentes razones, adoptan un punto de vista sobre la fotografía y sobre el mundo tremendamente conservador, tanto político como visual. Y por eso, además de no compartir sus planteamientos, me parecen en su mayoría tremendamente aburridas.


Cómo te definirías como fotógrafo y cómo definirías tu trabajo. 

Digamos que esencialmente entiendo la fotografía y el arte en general como un lenguaje, y como tal se compone de signos a los que arbitrariamente se les ha asignado un significado. Como con cualquier otro lenguaje yo lo que intento hacer es utilizar esos signos, cuestionarlos y reorganizarlos para contruir un mensaje determinado y ofrecer mi particular visión de las cosas. Explorar no solamente el medio fotográfico sino el mundo en el que vivimos. En este sentido creo que el arte tiene que tomar partido y ser militante, tiene que proponer una visión nueva del mundo y tiene que intentar hacer partícipe de ella al espectador.

Por otro lado, precisamente esa relación con el espectador tiene un papel destacado en mis fotos. Creo que toda obra de arte necesita de un espectador activo que sea parte no importante, sino esencial de la obra de arte. No recuerdo qué crítico de cine dijo una vez que las buenas películas debían de ser como las de Hitchcock, asequibles para todo tipo de públicos, aparentemente sencillas y entretenidas pero con una carga moral e intelectual subyacente importantísima, y que depende del espectador si quiere quedarse en la capa más superficial o llegar hasta la capa más erudita de la obra. Yo intento humildemente que mi trabajo vaya en esa dirección.


Qué es para ti la postfotografía.

A mi me gusta la definición de Martha Rosler, que en un sentido literal apunta a aquello que está más allá de la práctica fotográfica. Es decir, la producción de imágenes fotográficas sin el aparato fotográfico (‘aparato’ entendido a la manera anglosajona, no como un objeto, sino como un conjunto de implicaciones prácticas y teóricas).

Evidentemente esta forma de entender la postfotografía no cobra sentido hasta la irrupción del digital, que originó y sigue originando un aluvión fascinante de preguntas sobre las fronteras de la práctica fotográfica.

Sin embargo, y aunque buena parte de mis preocupaciones giran en torno a las implicaciones teóricas de la práctica digital, más que la postfotografía a mi me interesa el concepto de fotografía postdocumental, que además es bastante más relevante al mirar a mi trabajo.

El concepto es bastante problemático en sí, porque se lleva utilizando de mil maneras diferentes para definir practicas a veces antagónicas. Yo particularmente abogo por una interpretación a la manera de Rosler. Es decir, postdocumental es todo aquello que reside más allá del documental. No antes ni en una esfera diferente, sino más allá. En pocas palabras, el documental sin documentos. Y aquí ya entramos en un terreno pantanoso. Para no extenderme mucho, yo lo que defiendo es una intervención absoluta del autor en una determinada realidad, hasta el punto de construir (no reconstruir) una determinada escena o situación con la única intención de ser fotografiada, y que nunca hubiese existido en ese espacio y en ese tiempo si no fuese con ese fin. Una vez construida, tú como artista puedes hacer uso de todos los signos y clichés del lenguaje documental (o de cualquier otro) y obtener como resultado una imagen que parece documental pero que no lo es. Las posibilidades creativas que esto ofrece son infinitas, pero las preguntas teóricas que plantea son muchísimo más interesantes. Utilizando elementos puramente fotográficos se pone en cuestión todos los resortes sobre los que descansa la fotografía documental tradicional: la relación entre imagen y referente y sobre todo las nociones de indexalidad y factualidad que durante décadas parecían inamovibles.

A mi me gusta llamar a esto fotografía ‘antes de los hechos’, en oposición a fotografía ‘después de los hechos’ que es como se suele describir la práctica de fotógrafos documentales cercanos al arte como Delahaye, Wylie y compañia (photography after the facts).


En qué proyectos estás trabajando ahora y qué planes tienes a medio plazo.

Llevo tiempo pensando en cómo abordar el tema de la crisis financiera, que evidentemente es el Gran Tema de nuestro tiempo, y mi próximo proyecto seguramente irá por ahí. Me parece cuanto menos sorprendente que llevemos ya 5 años de recesión económica, de recortes, etc. etc. y que no haya muchísimos más trabajos de los que hay. Sí que hay notables excepciones, ‘C.E.N.S.U.R.A.’ de Julián Barón o ‘This is not a House’ de Edgar Martins se me vienen a la cabeza, pero creo que hay una gran falta de reflexión artística seria acerca de este tema y de sus miles de ramificaciones.


Cuál es tu percepción de la fotografía en España. Qué nos falta, qué nos sobra. Y cuál es la situación actual de la fotografía en Londres, hacia dónde va la fotografía allí.

Para serte sincero he vivido fuera de España desde que me empecé a dedicar a la fotografía así que mi visión seguramente será parcial y algo distorsionada. No obstante, lo que percibo cuando voy de visita, cuando veo exposiciones, cuando hablo con amigos, es que hay una escena demasiado conservadora. Me da la impresión de que falta riesgo. O mejor dicho, creo que hay muchos proyectos muy interesantes que no salen de un círculo muy reducido porque no hay suficiente apoyo institucional, porque hay un cierto establishment que no apuesta por nada que se salga de unos parámetros muy convencionales.

En este sentido Londres, que es donde vivo, es todo lo contrario. Evidentemente también tiene su establishment, pero su circuito de galerías, financiación, festivales, etc. es tan amplio que no es ni mucho menos minoritario.

Personalmente creo que el motivo tiene que ver por un lado con la educación y por otro con la financiación. Lamentablemente en España no hay ni lo uno ni lo otro. Creo que se dan pasos en la dirección adecuada, hay colectivos y escuelas que intentan cambiar esto, pero eso es una minoría de admirables luchadores. El apoyo oficial e institucional a la fotografía de vanguardia deja muchísimo que desear.

En un plano más teórico creo que el problema de España es que no se habla suficiente inglés y consecuentemente hay millones de libros que nunca se publican pero que tampoco se traducen, así que todo llega con retraso, si llega. Ahora que parece que por fin se ha sobrepasado la semiótica una de las corrientes que cobra más fuerza es la de la Teoría del Afecto que en España no se ha oído hablar mucho de ella.

En lo práctico, en Londres ahora mismo hay temas excesivamente recurrentes como el de espacio y territorio, también mucha fotografía introspectiva (a lo Francesca Woodman) que encuentro insoportablemente cansina y sobre todo hay un revival importante de la fotografía conceptual (si es que alguna vez ha llegado a estar ausente) con tintes político/sociales que creo que es lo más interesante del momento. En este terreno creo que por ejemplo David Birkin va a ser una de las figuras más influyentes en los próximos años, si no lo es ya; Taryn Simon tiene treinta y tantos y ya está más que consolidada en América; Idris Khan, Ori Gersht, Broomberg y Chanarin... son lo que están marcando el camino ahora mismo.

Y por último hay una presencia abrumadora de artistas trabajando todas las posibilidades que ofrece la técnica digital y la influencia que tiene no sólo sobre la fotografía sino sobre cualquier otra expresión artística. Aquí me la juego un poco pero posiblemente el llamado mix media sea lo dominante durante lo que queda de década.


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MERCADOS DEL MUNDO


El fotógrafo Manuel Zamora exhibe sus fotos estos días en lugar poco habitual, el Mercado de Verónicas de Murcia. Se trata de la exposición "Mercados del Mundo", una iniciativa del Aula de Cultura Gastronómica del Ayuntamiento de Murcia, para la que los comisarios José Antonio Marcos y Mara Mira han seleccionado 21 imágenes realizadas en mercados de 7 países (Nepal, India, Marruecos, Italia, Irlanda, Nicaragua y Honduras), en las que se establece un diálogo visual entre las personas que comercian y las mercancías puestas a la venta.

Cuando acabe su exhibición en el Mercado de Verónicas, la exposición itinerará por otros mercados del municipio durante el año 2013. Creemos que este tipo de iniciativas son muy interesantes, ya que permiten acercar la fotografía a un público que no suele visitar las salas de exposiciones. Confiamos en que haya muchas más.
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NAVIA, MALI, EL CAMELLO Y LA PIRAGUA

José Manuel Navia
El próximo viernes 16 de noviembre, a las 20:00 horas, en el Aula CAM de Murcia, el gran José Manuel Navia impartirá una conferencia-proyección que llevará por título "Mali, Timbuctú y la curva del Níger, entre el camello y la piragua", en el marco del ciclo Fotografía Nómada que, desde Cienojos, estamos programando para esta entidad.

En esta ocasión, Navia nos propone un viaje apasionante por los confines del Sahara, siguiendo inicialmente el curso del río Níger entre Mopti y Gao, para adentrarnos posteriormente en el desierto hasta Araouane por la ruta caravanera de la sal. El mundo del Níger es el legendario reino del oro, que era subido en piraguas hasta la mítica ciudad de Timbuctú para ser intercambiado por la sal, que bajaba del desierto en caravanas de dromedarios, como sigue ocurriendo hoy día. Pero también hay una asombrosa historia de moriscos y renegados españoles que, a las órdenes del sultán de Marruecos, atravesaron el Sahara en el siglo XVI para conquistar el reino del Níger. Historia que aún se conserva en las coleciones de viejos manuscritos de las bibliotecas de Timbuctú.

Navia es uno de los grandes fotógrafos españoles que ha ido evolucionando desde el reportaje hacía una fotografía más personal y reflexiva, siempre obsesionado por el poder evocador de la imagen y su relación con la literatura. Es miembro de la prestigiosa Agencia VU y ha mantenido una estrecha relación con "El País Semanal" desde 1992, donde ha publicado gran número de reportajes. Tiene numerosos libros y publicaciones en su trayectoria, entre las que podemos señalar "Marruecos, fragmentos de lo cotidiano" (Altair, 2003) "Pisadas sonámbulas: lusofonías" (La Fábrica, 2008) o "Un Madrid literario" (Lunwerg, 2009).

José Manuel Navia
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LA HISTORIA DE CIENOJOS

Fotografía: Ochi Reyes
Acaban de publicar en el blog La Sala 101 una entrada sobre la breve historia de Cienojos. Les agradecemos de corazón el interés y el cariño con el que la han hecho!
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CHRISTELE JACQUEMIN GANA UN LUX ORO

Christele Jacquemin, Lux Oro Moda 2012
Anoche tuvo lugar la entrega de los Premios Lux, que celebran este año su 20º aniversario. Supimos casi en directo que nuestra querida Christele Jacquemin, fotógrafa de moda afincada aquí en Murcia, había ganado un Oro en Moda. Nuestras más sinceras felicitaciones a ella y al resto de ganadores! Gonzalo Puertas (Oro Publicidad), José Luis López de Zubiría (Oro Bodegón y Producto), Sergio Zubizarreta (Oro Retrato), José Luis Guardia (Oro Arquitectura), Jesús M. Chamizo (Oro Industrial), Cristobal Serrano (Oro Paisaje y Naturaleza), Oliver Haupt (Oro Reportaje Temático), Pedro Etura (Oro Reportaje Social) y Xavi Mañosa (Oro Proyecto Personal). También a los ganadores del resto de premios, que son tantos que os vamos a pedir disculpas por no poder enumerarlos (las páginas en Flash no ayudan mucho a los que nos dedicamos a informar!).



El Lux Junior lo ha ganado nuestro también querido Pablo Axpe, del que ya os hablamos aquí, con sus magníficos perro-objeto de diseño.









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"THE FAMILY OF MAN", EN TODA SU VIGENCIA

"The family of man" en el MOMA (NY)
“The Family of Man” ha sido la exposición fotográfica con mayor itinerancia y más vista de todos los tiempos, con más de 9 millones de espectadores. Su catálogo ha sido el libro de fotografía más vendido de toda la historia. Este es el “momento Guinness de los Records”.

La exposición se inauguró en enero de 1955 en el MOMA de Nueva York y viajó durante siete años por 38 países. Edward Steichen, que en ese momento era el director del departamento de fotografía del MOMA, fue su comisario. Actualmente permanece en el Château de Clervaux (Luxemburgo) donde forma parte del Programa de Memoria Histórica de la UNESCO. Este es el “momento dato”, pero te ayudará a entender mejor lo que sigue.

"The family of man" en Clerveaux (Luxemburgo)
Steichen fue un intelectual, de los primeros artistas que condujo la fotografía a las galerías de arte, a los museos. Pionero de la fotografía contemporánea, Steichen fue a la fotografía lo que Freud, al psicoanálisis. Estamos ante grandes visionarios, mentes muy superiores y su aportación es inmesurable. Cualquiera de nosotros necesitaría tres vidas para hacer los que estas personas hicieron en una. Ni un minuto en vano.

Pero ¿cuál fue el sentido de esta inmensa exposición?, y su tema... ¿de qué se trataba?, ¿por qué se movió por todo el mundo?, ¿qué hizo que tantas y tantas personas fueran a verla?, ¿cuál es su magia?... y sus críticas, ¿hacia dónde fueron sus críticas?... 


Los antecedentes: Esta exposición se gestó en un contexto de enorme incertidumbre y mucha tensión debido a la Guerra Fría. Hiroshima estaba a la vuelta de la esquina, millones de personas habían visto los espantosos efectos de la bomba atómica y vivían bajo la terrible amenaza de una guerra nuclear. Por otra parte, la ONU empezaba su andadura y la controvertida Declaración de los Derechos Humanos no había hecho más que ver la luz.


El tema: “The Family of Man” reafirma la fe en la humanidad para una audiencia que, como la mirada de un niño que ha visto cosas que no le corresponde ver, vivía bajo la amenaza de su propia extinción. Fue creada, en palabras de Steichen, “en un apasionado espíritu de amor devoto y de fe hacia el ser humano”. Enfatizaba la paz, el amor al hombre, la conciencia humana más allá de la conciencia social. Presentaba a un hombre sin fronteras, sin etnia, ni grupo social o económico, geográfico o político.
La instalación disponía las fotografías por temas (amor, nacimiento, trabajo, familia, educación, guerra, paz...) de un modo totalmente innovador, por fuera de todos los esquemas con los que entonces se contaba.



La crítica: a “La Familia del Hombre” no le faltaron detractores, a Steichen tampoco. Las hay a decenas, desde los aspectos puramente formales, como que las fotografías son demasiado homogéneas en tonos, hasta los que señalaban la intencionalidad de Steichen y su código ético. Muchos le tildaron de tener una mirada demasiado naïf hacia el mundo, de comisariar una exposición moralista, ñoña, si me lo permitís, donde la individualidad y la identidad de cada retrato, de cada grupo etc., quedaba subordinada a una actividad común de todos los seres humanos (por ejemplo el trabajo, la educación). Hubo quién sospechó de tener una intencionalidad política (para los americanos liberales encarnaba la amenaza comunista, en España, por ejemplo no se mostró. Para los defensores del relativismo cultural suponía un grave peligro ya que subordinaba el valor de la tradición y de la diversidad en aras de representar las actividades comunes de la humanidad, asistíamos a la globalización del género humano mucho antes de que el concepto de “aldea global” existiera.


Los fotógrafos criticaban que Steichen, que había luchado durante décadas para elevar la fotografía a la categoría de arte como una entidad autónoma e independiente de la pintura, la usara ahora como forma de comunicación al servicio de un tema como la humanidad. Vieron una terrible osadía que cada imagen estuviera descontextualizada y que ambos, foto y autor, estuvieran al servicio de comunicar el tema principal. Ninguna fotografía aparecía como obra única, sino que cada imagen representaba las letras de una enorme carta que se le escribía a toda la Humanidad. Nadie era el protagonista de nada. La motivación principal era la supervivencia del Ser Humano en un clima de crisis nuclear, el narcisismo de los autores estaba en segundo o tercer plano, no era relevante.


El reto: Steichen se enfrentaba a un reto muy muy difícil. Esta exposición se gestó con la intención de que fuera contemplada por un inmenso grupo de gente, millones de personas. El punto era crear un sentimiento de confianza, de calidez hacia el ser humano en un clima lleno de suspicacia, desconfianza y división. Era cocinar un inmenso y exquisito caldo caliente apto para todos los paladares del mundo. 


Esta vez Steichen no promovía la fotografía como arte y a los fotógrafos como artistas, sino que jugaba a otro juego, con otras reglas. Esta vez se trataba de que la fotografía sirviera de lenguaje inteligible para una audiencia global, que el mensaje pudiera ser descifrado igualmente por el indio guatemalteco, por el moscovita o el japonés.
No creo que la actitud de Steichen fuera ingenua y plana, que tantos años y tantas horas dedicadas de lleno a esta exposición tuvieran una intención moralista y escolar. De hecho, creo que Edward Steichen adoptó una actitud sumamente responsable y de liderazgo moral en un momento en el que era necesario que los valientes se pronunciaran e hicieran. Un momento no muy distinto al que estamos atravesando ahora.
Como dice una querida amiga, “en la vida puedes hacer muchas cosas, pocas o ninguna; pero si no intentas nada, nunca harás nada”.
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