Ediciones Anómalas consolida su andadura en el mundo editorial con la publicación de Atlas, de Israel Ariño, un libro que navega por los territorios de la poesía y se desliza por los espacios de la imaginación. Es el segundo libro de esta joven editorial barcelonesa y con él, mantienen el exquisito cuidado en la edición que ya dejaron ver con su primer trabajo.

Atlas es una respuesta personal al reto de representar el nomadismo de la propia vivencia. La mirada de Israel Ariño se desliza por la realidad y se transforma en un mundo insólito y atemporal, captado e inventado al mismo tiempo: en sus fotografías emergen cosas y sensaciones que no estaban ahí de antemano y que se hacen presentes cuando se materializa la imagen y alguien la mira después. Sólo entonces se hace visible la poesía que permanecía agazapada en la copa de unos árboles, en una figura entrevista, los reflejos en un río, en el gozo de un instante de abandono, en una fantasmal medusa o en un barco velero que en la lejanía parece el juguete de una infancia ya perdida.

Ha sido publicado en una tirada de 400 copias numeradas: 300 ejemplares para la edición estandar, una edición especial de 75 ejemplares con una copia original, y una edición coleccionista de 25 ejemplares que incluye tres fotografías y un fotograbado presentados en una carpeta de artista elaborada por Àngels Arroyo. La primera presentación del libro tendrá lugar en La Retratería (C/ Mozart 14, del barrio de Gracia de Barcelona) el próximo viernes 14 de diciembre a las 19:00 horas.

La serie Books on Books de la editorial neoyorquina Errata Editions sigue creciendo devolviendo a la luz esos libros descatalogados, raros o carísimos que a todos nos gustaría tener entre las manos. Sin la pretensión de hacer reediciones, ellos optan por hacer reproducciones fotográficas en libros fotográficos, con extensos ensayos sobre la obra que reproducen; algo que viene muy bien para profundizar en el estudio de algunos autores que han marcado puntos de inflexión en la historia de la fotografía.

Errata Editions publica libros con un alto valor educativo y cultural para ponerlos a disposición de una amplia audiencia, con una especial atención a los fotolibros raros, que son imposibles de conseguir para estudiantes y nuevas generaciones de fotógrafos. Somos un grupo de profesionales de la fotografía, el diseño y la docencia que compartimos un común amor por la fotografía y el arte de los libros.

En esta ocasión, y después de un anuncio demasiado prematuro, por fin tenemos los cuatro nuevos libros de la colección: Sweet Life (Ed Van der Elsken), 122 Color Photographs (Keld Helmer-Petersen), The Banquet (Nobuyoshi Araki) y Drum (Krass Clement).

Ahora que los géneros visuales se mezclan en algo que los teóricos aún no han acertado a describir y poner nombre, nos hemos encontrado este documental web del fotógrafo de la agencia VU Miquel Dewever-Plana y de la periodista y escritora Isabelle Fougère.

Alma, hija de la violencia es un desgarrador testimonio de una integrante de las maras guatemaltecas que profundiza en la violencia de uno de los países más duros y violentos del planeta. Los planteamientos vitales de los integrantes de estas “pandillas” son del todo incomprensibles para alguien que vive en “nuestro mundo”; y que después de ver el documental puede continuar siéndolo. Tras años de guerra y genocidio, los territorios mayas siguen sufriendo la violencia provocada por la pobreza, el analfabetismo, el desempleo, el narcotráfico y la discriminación.

Éste es, sin duda, uno de los audiovisuales más duros que puedo recordar; pero también expone de una forma cruda y sin tapujos una realidad que está ahí y que, de una forma o de otra, se respira en las calles de Guatemala. Si añadimos que, en un mundo que el imaginario siempre ha asociado a lo masculino, quien cuenta su experiencia es una mujer, el testimonio se convierte en algo desgarrador.

El formato del audiovisual es interactivo: por un lado aparece Alma contando su experiencia en primer plano, y de forma simultánea podemos acceder a las piezas de video, fotografías, ilustraciones y animaciones que ilustran sus palabras. En todo momento podemos elegir entre ver las expresiones de la protagonista mientras cuenta la historia o las imágenes a las que evocan sus palabras. Son cuarenta minutos de intensidad tal que requieren dedicación exclusiva.

El documental es una coproducción de Upian, el canal Arte y la agencia VU; con los textos y entrevista de Isabelle Fougère, las fotografías y videos de Miquel Dewever-Plana y las ilustraciones de Hugues Micol.

Miquel Deweve-Plana lleva trabajando más de diez años en las tierras mayas. Fruto de este trabajo ha publicado varios libros: La verdad bajo la tierra: Guatemala, el genocidio silenciado, Mayas, Hach winik y La otra guerra. Este último emparentado directamente con el audiovisual y que aborda esa guerra no declarada que sufre Guatemala de mano de las maras, las pandillas ultraviolentas que atemorizan y extorsionan a la población.

Todos los libros estaán publicados en español por Blume.

 

 

Pocos fotoperiodistas hay en la región de Murcia con un trabajo tan impecable -y lamentablemente tan oculto y desconocido- como José María Rodríguez Valero. Una oportunidad para conocer uno de sus primeros proyectos de autor es visitar su exposición El Molinete, años 80, en la gintonería Mazinger de Cartagena (C/ Juan Fernández, 65), que el bueno de José Mª inauguró el pasado jueves, acompañado por compañeros fotoperiodistas y amigos como el fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos y el pintor Gonzalo Sicre. Una docena de fotografías en blanco y negro que nos enseñan la peculiar atmósfera del desaparecido barrio cartagenero.  

Jose Mª lleva trabajando casi tres décadas para diarios locales de Murcia. Ha impartido clases de fotografía en la Universidad Popular de Cartagena y participado en varias exposiciones, entre las que destacamos su presencia en “Arco 85”, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1986) o en el pabellón murciano de la “Expo 92”.

El taller de Eduardo lleva por título "La visión fotográfica. Hacia la comprensión del medio fotográfico", como su imprescindible libro, que ya va por la quinta edición, algo absolutamente inusual en el panorama nacional. Momeñe es fotógrafo y ha escrito numerosos artículos y ensayos sobre estética fotográfica, aunque la enseñanza de la fotografía ha sido clave en su forma de entender la creación fotográfica. Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios y entre sus alumnos se encuentran fotógrafos de reconocido prestigio. Proyectos tan importantes como la serie de televisión La Puerta Abierta o la revista Fotografías, realizados en la década de los noventa, están considerados obras de referencia dentro de la difusión de la Fotografía, con mayúsculas, en nuestro país.

 

"Si las cosas pueden definirse por lo que no son, éste no es un taller de especulación, ni de reflexión abstracta acerca de la fotografía, sino un intento de comprensión del medio fotográfico para que nuestras fotografías sean más conscientes, y por tanto más inteligentes. Nuestra formación fotográfica es la base de nuestra práctica fotográfica, de nuestra capacidad para obtener imágenes más sólidas. 

(...) Todo ello se combinará con la práctica fotográfica en el incomparable marco natural de los bosques de Guadarrama. Realizaremos fotografías de figura con paisaje, plantearemos posibles acercamientos que pueden darse en la toma y se estudiará la problemática del encuadre y del lenguaje corporal, una labor de dirección fotográfica".

 

El precio del taller es de 385€ (este año han quitado la beca que daban de matrícula pero, a cambio, han rebajado el precio 75€ respecto al año anterior) e incluye matrícula, estancia y pensión completa, del 5 al 9 de diciembre. Así que, si no tienes un plan mejor, como ir a Londres a visitar las dos superexposiciones que hay, aprovecha el puente y disfruta con el gran maestro del que tanto hemos aprendido tantos!

La Fundación mantiene este año una beca para la producción de proyecto expositivo entre todos los asistentes a los Talleres de Invierno 2012.

Dicen que Don DeLillo, mientras escribía Mao II, trabajaba con dos carpetas, a una la llamaba “arte” y a la otra “terror”, nunca será el único. ¿Quién se atreve a describir el trabajo de Dana Popa, “Not Natasha” de “maravilloso”, si no es con otra carpeta a su lado que rece “terrible”?

Dana Popa (Rumania, 1977), bajó a los infiernos de la mano del Open Society Institute para documentar lo que queda de un grupo de mujeres que han sido víctimas del trafico sexual durante años.

Dana Popa, de la serie "Not Natasha" (2006)

L’Inassolible, de Roger Guaus, es mucho más que un libro que explora en el archivo familiar. Es una experiencia que nos traslada, de la intimidad más absoluta de Guaus, a la universalidad de las relaciones familiares. Es un canto a la generación de nuestros padres, a sus valores y su manera de estar en el mundo. Es una maravilla.

El texto de su padre, Manel Guaus, “Reflexiones de un padre de cincuenta años”, es el hilo que nos conduce, de la intimidad de un padre con su hijo, a los deseos de todo padre para sus hijos. Las fotografías del álbum familiar, las propias fotos del autor, el papel, los textos... se abrazan en un conjunto redondo que nos traslada a un territorio a medio camino entre la melancolía y las ganas de seguir creciendo.

Las diferentes voces presentes del libro se unen bajo la edición de Guaus para crear un discurso profundamente personal, enraizado en su memoria que es, en lo esencial, común a toda una generación.

Hemos vivido casi veintisiete años juntos y hemos pasado momentos buenos y malos. Los buenos no hace falta nombrarlos ya que dejan un buen recuerdo; de los malos sólo quiero decirte que soy consciente que muchas veces han sido por mi culpa, reconozco mis “neuras” y es por ello que te pido que me sepas perdonar, tal vez el exceso de celo por ti, las ganas de que pusieras lo mejor, el buscar la absurda perfección a la que estoy dedicado toda la vida (qué equivocación) hicieron que mi grado de exigencia hacia ti fuera exagerado. Esto, evidentemente, conduce a tensiones muchas veces innecesarias y absurdas.
                                                                                                                                        Manel Guaus

El trabajo está publicado por la Ca L'Isidret Edicions, un proyecto editorial integrado por el propio Roger, Aleix Plademunt y Juan Diego Valera, que les sirve de plataforma para publicar sus trabajos más personales.

Quizá sea inalcanzable, pero Roger lo roza con su L’Inassolible. Y por si quedaban dudas, no, no es un libro más de las intimidades de un fotógrafo.

Cómo y cuándo empieza tu relación con la fotografía. 

Pues de una forma bastante poco romántica y poco tradicional. Yo estaba estudiando cine cuando vivía en Madrid y quería ser director. En algún año de facultad decidí cursar la optativa de Fotografía porque todo el mundo sabía que era la típica maría. Lo que pasa es que una vez que me fui metiendo en ello vi, por un lado, que era un medio que me resultaba más afín para el tipo de cosas que yo quería contar, y por otro, que el control sobre la obra en términos creativos y de producción era potencialmente mayor en la fotografía que en el cine. En realidad fue una decisión más racional y meditada que algo natural y romántico. Para serte sincero yo no tuve una cámara de fotos hasta los 20 años.



Cuál ha sido tu trayectoria formativa.

Estudié primero Comunicación Audiovisual en la Complutense de Madrid (de ahí que haya acabado en Londres), a la vez que dirección cinematográfica en una Escula de Cine, el NIC. Viéndolo en perspectiva creo que aunque no haya acabado dedicandome al cine sí que hay una influencia de éste y de la teoría de los medios de comunicación bastante importante en mi trabajo.

Después de eso, estudié en la Universidad de Copenhague, en Dinamarca, donde viví un par de años. Fue interesante en el aspecto formativo, pero fue más relevante a nivel personal. Es un país que me enseñó a ver el mundo de una manera bastante diferente a cómo se ve desde España.

Por último, di el salto a Londres para estudiar fotografía artística en la Universidad de Westminster, que fue la revelación definitiva y donde aprendí casi todo lo que sé hoy en día, no sólo en cuanto a técnica sino sobre todo en cuanto a planteamientos teóricos.

  
Qué fotógrafos te interesan más y cuáles te interesan menos.

Me interesa la gente que tiene algo que contar sobre el mundo, que tiene una preocupación por las cosas que pasan en nuestro tiempo y que sabe enmarcarlo dentro del momento histórico en el que se encuentra el discurso del arte contemporáneo.

Para mi es fundamental que la fotografía (y el arte en general) se cuestione absolutamente todo, que luche contra el status quo y que haga avanzar las fronteras del propio medio fotográfico y de la sociedad en que vivimos.

Supongo que por el tipo de fotografía que yo mismo hago me interesa mucho la gente que trabaja con tableau; evidentemente Jeff Wall (aunque le encuentro muchos ‘peros’), Hannah Starkey, Mathew Baum, Tom Hunter, Mitra Tabrizian... en este sentido dos fotógrafos a los que no me importaría parecerme son Mohammed Bourouissa y Juul Hondius. También gente de los New Topographics, Escuela de Dusseldorf, la fotografía conceptual de los 70 post-‘New Documents’, Chanarin y Broomberg... hasta el net.art me parece interesantísimo.

Habiendo dicho todo esto, también he de añadir que a la hora de buscar referencias para mis fotos siempre tiendo a mirar más a la pintura que a la fotografía, sobre todo a los clásicos europeos del XVIII y XIX, a la pintura histórica y al hiperrealismo americano del siglo XX. La verdad es que la escuela realista norteamericana está tremendamente infravalorada y su relación con la fotografía es muy reveladora.

Por último, lo que menos me interesa son, por un lado, las historias personales, y por otro, el fotoperiodismo y la fotografía documental tradicional. Creo que generalmente ambos, por diferentes razones, adoptan un punto de vista sobre la fotografía y sobre el mundo tremendamente conservador, tanto político como visual. Y por eso, además de no compartir sus planteamientos, me parecen en su mayoría tremendamente aburridas.


Cómo te definirías como fotógrafo y cómo definirías tu trabajo. 

Digamos que esencialmente entiendo la fotografía y el arte en general como un lenguaje, y como tal se compone de signos a los que arbitrariamente se les ha asignado un significado. Como con cualquier otro lenguaje yo lo que intento hacer es utilizar esos signos, cuestionarlos y reorganizarlos para contruir un mensaje determinado y ofrecer mi particular visión de las cosas. Explorar no solamente el medio fotográfico sino el mundo en el que vivimos. En este sentido creo que el arte tiene que tomar partido y ser militante, tiene que proponer una visión nueva del mundo y tiene que intentar hacer partícipe de ella al espectador.

Por otro lado, precisamente esa relación con el espectador tiene un papel destacado en mis fotos. Creo que toda obra de arte necesita de un espectador activo que sea parte no importante, sino esencial de la obra de arte. No recuerdo qué crítico de cine dijo una vez que las buenas películas debían de ser como las de Hitchcock, asequibles para todo tipo de públicos, aparentemente sencillas y entretenidas pero con una carga moral e intelectual subyacente importantísima, y que depende del espectador si quiere quedarse en la capa más superficial o llegar hasta la capa más erudita de la obra. Yo intento humildemente que mi trabajo vaya en esa dirección.


Qué es para ti la postfotografía.

A mi me gusta la definición de Martha Rosler, que en un sentido literal apunta a aquello que está más allá de la práctica fotográfica. Es decir, la producción de imágenes fotográficas sin el aparato fotográfico (‘aparato’ entendido a la manera anglosajona, no como un objeto, sino como un conjunto de implicaciones prácticas y teóricas).

Evidentemente esta forma de entender la postfotografía no cobra sentido hasta la irrupción del digital, que originó y sigue originando un aluvión fascinante de preguntas sobre las fronteras de la práctica fotográfica.

Sin embargo, y aunque buena parte de mis preocupaciones giran en torno a las implicaciones teóricas de la práctica digital, más que la postfotografía a mi me interesa el concepto de fotografía postdocumental, que además es bastante más relevante al mirar a mi trabajo.

El concepto es bastante problemático en sí, porque se lleva utilizando de mil maneras diferentes para definir practicas a veces antagónicas. Yo particularmente abogo por una interpretación a la manera de Rosler. Es decir, postdocumental es todo aquello que reside más allá del documental. No antes ni en una esfera diferente, sino más allá. En pocas palabras, el documental sin documentos. Y aquí ya entramos en un terreno pantanoso. Para no extenderme mucho, yo lo que defiendo es una intervención absoluta del autor en una determinada realidad, hasta el punto de construir (no reconstruir) una determinada escena o situación con la única intención de ser fotografiada, y que nunca hubiese existido en ese espacio y en ese tiempo si no fuese con ese fin. Una vez construida, tú como artista puedes hacer uso de todos los signos y clichés del lenguaje documental (o de cualquier otro) y obtener como resultado una imagen que parece documental pero que no lo es. Las posibilidades creativas que esto ofrece son infinitas, pero las preguntas teóricas que plantea son muchísimo más interesantes. Utilizando elementos puramente fotográficos se pone en cuestión todos los resortes sobre los que descansa la fotografía documental tradicional: la relación entre imagen y referente y sobre todo las nociones de indexalidad y factualidad que durante décadas parecían inamovibles.

A mi me gusta llamar a esto fotografía ‘antes de los hechos’, en oposición a fotografía ‘después de los hechos’ que es como se suele describir la práctica de fotógrafos documentales cercanos al arte como Delahaye, Wylie y compañia (photography after the facts).


En qué proyectos estás trabajando ahora y qué planes tienes a medio plazo.

Llevo tiempo pensando en cómo abordar el tema de la crisis financiera, que evidentemente es el Gran Tema de nuestro tiempo, y mi próximo proyecto seguramente irá por ahí. Me parece cuanto menos sorprendente que llevemos ya 5 años de recesión económica, de recortes, etc. etc. y que no haya muchísimos más trabajos de los que hay. Sí que hay notables excepciones, ‘C.E.N.S.U.R.A.’ de Julián Barón o ‘This is not a House’ de Edgar Martins se me vienen a la cabeza, pero creo que hay una gran falta de reflexión artística seria acerca de este tema y de sus miles de ramificaciones.


Cuál es tu percepción de la fotografía en España. Qué nos falta, qué nos sobra. Y cuál es la situación actual de la fotografía en Londres, hacia dónde va la fotografía allí.

Para serte sincero he vivido fuera de España desde que me empecé a dedicar a la fotografía así que mi visión seguramente será parcial y algo distorsionada. No obstante, lo que percibo cuando voy de visita, cuando veo exposiciones, cuando hablo con amigos, es que hay una escena demasiado conservadora. Me da la impresión de que falta riesgo. O mejor dicho, creo que hay muchos proyectos muy interesantes que no salen de un círculo muy reducido porque no hay suficiente apoyo institucional, porque hay un cierto establishment que no apuesta por nada que se salga de unos parámetros muy convencionales.

En este sentido Londres, que es donde vivo, es todo lo contrario. Evidentemente también tiene su establishment, pero su circuito de galerías, financiación, festivales, etc. es tan amplio que no es ni mucho menos minoritario.

Personalmente creo que el motivo tiene que ver por un lado con la educación y por otro con la financiación. Lamentablemente en España no hay ni lo uno ni lo otro. Creo que se dan pasos en la dirección adecuada, hay colectivos y escuelas que intentan cambiar esto, pero eso es una minoría de admirables luchadores. El apoyo oficial e institucional a la fotografía de vanguardia deja muchísimo que desear.

En un plano más teórico creo que el problema de España es que no se habla suficiente inglés y consecuentemente hay millones de libros que nunca se publican pero que tampoco se traducen, así que todo llega con retraso, si llega. Ahora que parece que por fin se ha sobrepasado la semiótica una de las corrientes que cobra más fuerza es la de la Teoría del Afecto que en España no se ha oído hablar mucho de ella.

En lo práctico, en Londres ahora mismo hay temas excesivamente recurrentes como el de espacio y territorio, también mucha fotografía introspectiva (a lo Francesca Woodman) que encuentro insoportablemente cansina y sobre todo hay un revival importante de la fotografía conceptual (si es que alguna vez ha llegado a estar ausente) con tintes político/sociales que creo que es lo más interesante del momento. En este terreno creo que por ejemplo David Birkin va a ser una de las figuras más influyentes en los próximos años, si no lo es ya; Taryn Simon tiene treinta y tantos y ya está más que consolidada en América; Idris Khan, Ori Gersht, Broomberg y Chanarin... son lo que están marcando el camino ahora mismo.

Y por último hay una presencia abrumadora de artistas trabajando todas las posibilidades que ofrece la técnica digital y la influencia que tiene no sólo sobre la fotografía sino sobre cualquier otra expresión artística. Aquí me la juego un poco pero posiblemente el llamado mix media sea lo dominante durante lo que queda de década.

El fotógrafo Manuel Zamora exhibe sus fotos estos días en lugar poco habitual, el Mercado de Verónicas de Murcia. Se trata de la exposición "Mercados del Mundo", una iniciativa del Aula de Cultura Gastronómica del Ayuntamiento de Murcia, para la que los comisarios José Antonio Marcos y Mara Mira han seleccionado 21 imágenes realizadas en mercados de 7 países (Nepal, India, Marruecos, Italia, Irlanda, Nicaragua y Honduras), en las que se establece un diálogo visual entre las personas que comercian y las mercancías puestas a la venta.

Cuando acabe su exhibición en el Mercado de Verónicas, la exposición itinerará por otros mercados del municipio durante el año 2013. Creemos que este tipo de iniciativas son muy interesantes, ya que permiten acercar la fotografía a un público que no suele visitar las salas de exposiciones. Confiamos en que haya muchas más.

José Manuel Navia

El próximo viernes 16 de noviembre, a las 20:00 horas, en el Aula CAM de Murcia, el gran José Manuel Navia impartirá una conferencia-proyección que llevará por título "Mali, Timbuctú y la curva del Níger, entre el camello y la piragua", en el marco del ciclo Fotografía Nómada que, desde Cienojos, estamos programando para esta entidad.

En esta ocasión, Navia nos propone un viaje apasionante por los confines del Sahara, siguiendo inicialmente el curso del río Níger entre Mopti y Gao, para adentrarnos posteriormente en el desierto hasta Araouane por la ruta caravanera de la sal. El mundo del Níger es el legendario reino del oro, que era subido en piraguas hasta la mítica ciudad de Timbuctú para ser intercambiado por la sal, que bajaba del desierto en caravanas de dromedarios, como sigue ocurriendo hoy día. Pero también hay una asombrosa historia de moriscos y renegados españoles que, a las órdenes del sultán de Marruecos, atravesaron el Sahara en el siglo XVI para conquistar el reino del Níger. Historia que aún se conserva en las coleciones de viejos manuscritos de las bibliotecas de Timbuctú.

Navia es uno de los grandes fotógrafos españoles que ha ido evolucionando desde el reportaje hacía una fotografía más personal y reflexiva, siempre obsesionado por el poder evocador de la imagen y su relación con la literatura. Es miembro de la prestigiosa Agencia VU y ha mantenido una estrecha relación con "El País Semanal" desde 1992, donde ha publicado gran número de reportajes. Tiene numerosos libros y publicaciones en su trayectoria, entre las que podemos señalar "Marruecos, fragmentos de lo cotidiano" (Altair, 2003) "Pisadas sonámbulas: lusofonías" (La Fábrica, 2008) o "Un Madrid literario" (Lunwerg, 2009).

José Manuel Navia

Fotografía: Ochi Reyes

Acaban de publicar en el blog La Sala 101 una entrada sobre la breve historia de Cienojos. Les agradecemos de corazón el interés y el cariño con el que la han hecho!

Christele Jacquemin, Lux Oro Moda 2012

Anoche tuvo lugar la entrega de los Premios Lux, que celebran este año su 20º aniversario. Supimos casi en directo que nuestra querida Christele Jacquemin, fotógrafa de moda afincada aquí en Murcia, había ganado un Oro en Moda. Nuestras más sinceras felicitaciones a ella y al resto de ganadores! Gonzalo Puertas (Oro Publicidad), José Luis López de Zubiría (Oro Bodegón y Producto), Sergio Zubizarreta (Oro Retrato), José Luis Guardia (Oro Arquitectura), Jesús M. Chamizo (Oro Industrial), Cristobal Serrano (Oro Paisaje y Naturaleza), Oliver Haupt (Oro Reportaje Temático), Pedro Etura (Oro Reportaje Social) y Xavi Mañosa (Oro Proyecto Personal). También a los ganadores del resto de premios, que son tantos que os vamos a pedir disculpas por no poder enumerarlos (las páginas en Flash no ayudan mucho a los que nos dedicamos a informar!).



El Lux Junior lo ha ganado nuestro también querido Pablo Axpe, del que ya os hablamos aquí, con sus magníficos perro-objeto de diseño.

"The family of man" en el MOMA (NY)

“The Family of Man” ha sido la exposición fotográfica con mayor itinerancia y más vista de todos los tiempos, con más de 9 millones de espectadores. Su catálogo ha sido el libro de fotografía más vendido de toda la historia. Este es el “momento Guinness de los Records”.

La exposición se inauguró en enero de 1955 en el MOMA de Nueva York y viajó durante siete años por 38 países. Edward Steichen, que en ese momento era el director del departamento de fotografía del MOMA, fue su comisario. Actualmente permanece en el Château de Clervaux (Luxemburgo) donde forma parte del Programa de Memoria Histórica de la UNESCO. Este es el “momento dato”, pero te ayudará a entender mejor lo que sigue.

"The family of man" en Clerveaux (Luxemburgo)

Steichen fue un intelectual, de los primeros artistas que condujo la fotografía a las galerías de arte, a los museos. Pionero de la fotografía contemporánea, Steichen fue a la fotografía lo que Freud, al psicoanálisis. Estamos ante grandes visionarios, mentes muy superiores y su aportación es inmesurable. Cualquiera de nosotros necesitaría tres vidas para hacer los que estas personas hicieron en una. Ni un minuto en vano.