Julia Kozerski (1984, Milwaukee) es una fascinante fotógrafa que explora su identidad y el concepto de belleza a través de su inmenso cuerpo. Con obesidad mórbida, Julia se pregunta una y mil veces cuál es el camino hacia ese cuerpo perfecto, que no tiene y desea. En su proyecto Half, por ejemplo, hace un dramático viaje hacia las ruinas en las que se convierte después de someterse a un estricto régimen para perder la mitad de su peso y terminar descubriendo que todo era mentira, que ese estereotipo proyectado por los medios y al que quería parecerse es inalcanzable (y, desde luego, no conduce a la felicidad). O su divertido Tags indaga en la misma dirección pero introduciéndose mediante proyecciones superpuestas sobre su cuerpo en estereotipos del mundo del arte. 14 million minutes es una joya en la que acompaña a su madre hasta el final de sus días, mientras se pregunta si ha llegado su momento de ser madre.

Tiene dos blogs absolutamente recomendables si te interesan estos temas: Visual stimulation (una delicia en el que recopila trabajos relacionados con la representación del cuerpo femenimo en el arte) y The orphanage (donde adopta todo lo demás que le gusta y no tiene que ver tan directamente con su línea de investigación).

Carleton E. Watkins (1829 NY–1916 California) fue un pionero en la utilización de la fotografía para reivindicar la conservación de espacios naturales en Estados Unidos, mucho antes que el obsesivo Ansel Adams se pusiera a lo mismo décadas después. Carleton consiguió en 1864 que el Congreso de los Estados Unidos protegiera el Yosemite Valley y lo declara en Parque Nacional.

Pero en realidad, Watkins fue un pionero en muchos otros sentidos. Arrastrado por la fiebre del oro, en 1851 viajó a California con Collis Huntington, que terminaría siendo uno de los poderosos propietarios del Central Pacific Railroad y para el que haría muchos trabajos documentando el gran invento con cámaras estereográficas, que eran su especialidad. Mientras, trabajó en una librería y en la galería fotográfica de Robert Vance, del que aprendió el oficio. El viaje que hizo a Yosemite en 1861, cargado con una enorme cámara de plazas y otra estereográfica, cuyas imágenes vendió a la vuelta, numeradas y motadas sobre cartulinas que cambiaban de color según la serie, lo consagraron como maestro de la fotografía de paisaje en la época y la medalla que obtuvo en la Exposición Mundial de París en 1868 lo confirmó.

En 1871 montó su propio estudio, después de años de trabajar para otros, pero la crisis del 75 lo arruinó y tuvo que vender todo su archivo a sus acreedores. No obstante, más fuerte que las montañas que tanto le gustaba fotografiar, Carleton empezó de nuevo y volvió, uno por uno, a todos los sitios que había fotografiado, a repetir las tomas. Eso sí, empezó la numeración de las nuevas placas en el número 3.000.

Cuando tenía 50 años se casó con su mujer, Frances Sneade, que tenía 22. Con ella envejeció feliz hasta que en 1906 un terremoto destruyó su archivo de placas de cristal completo, el trabajo de toda una vida. Su salud se deterioró y ya no volvió a hacer fotos. En la actualidad, sólo podemos admirar su trabajo a través de las copias que dejó sobre papel. La Eastman custodia unas cuantas y el resto las conservan varian instituciones, entre ellas la Central Pacific Railroad Photographic History Museum y The National Stereoscopic Association.

Blanca Galindo llevaba tiempo soñando con poder hacerlo y en su último viaje a Barcelona lo consiguió. Encontró la empresa con la tecnología necesaria para hacer lo que ella quería, poner sus fotografías cerca de la piel, y lo hizo. El resultado es una colección mágica, única, en edición superlimitada, "Wise nature", a la venta en exclusiva a través del portal ZAK ("donde los creadores gráficos producen moda"). Volarán, estoy segura!

Blanca es fotógrafa y creadora visual, miembro fundador de Mujeres con Pajarita y el colectivo Omnivore. Combina la realización de material gráfico para revistas, arte y fotografía promocional para músicos, creación de campañas publicitarias de moda con la creación de proyectos fotográficos más personales. Además, es una de las ganadores del Invernadero y ahora mismo tiene una exposición colectiva en el Centro Puertas de Castilla de Murcia.

Vee Speers

GETXOPHOTO es un festival de fotografía dirigido por Jokin Aspuru e impulsado por el colectivo Begihandi, que se celebra cada año, desde 2007, en Getxo (País Vasco) y que esencialmente se diferencia de otros porque apuesta por la utilización de formatos, soportes y espacios no convencionales para hacer circular las imágenes (desde posavasos hasta camisetas, pasando por lonas gigantes, fotocopias o internet). Getxophoto es un festival temático que tiene un comisario invitado cada tres años, y esta será la última edición con Frank Kalero, que se despide elogiando a la infancia, en coherencia con lo que ha hecho durante los dos años anteriores, Elogio del ocio (2010) y Elogio de la vejez (2011), cerrando así un ciclo maravilloso que ha tenido "como nexo de unión el hecho de ofrecer un retrato de la libertad del ser humano en las diferentes etapas de la vida".

La mayoría de las exhibiciones (una veintena) serán al aire libre y estarán expuestas del 30 de agosto al 30 de septiembre aunque también habrá exposiciones en salas. Las actividades principales tendrán lugar durante el primer fin de semana del festival, del 30 de agosto al 2 de septiembre, cuando se celebrará el Opening, acto de apertura que contará con la presencia de algunos de los autores participantes, incluirá actividades diversas más una proyección especial, como cierre, del trabajo de Roger Ballen.

El fotógrafo argentino Marcos López repetirá la experiencia de PHE e impartirá un taller cuyo objetivo será la creación de una "instantánea escenificada" participativa y abierta, de esas tan geniales que él hace. Otras actividades paralelas al festival serán Ibili, el programa de visitas guiadas que se extenderá durante todo el mes de septiembre; Photo walk, una visita a estudios y galerías de fotografía; y Papel, la zona de consulta de libros y revistas sobre fotografía.

Pero Getxophoto es un evento abierto a la participación de la gente que lo acoge. Así, todo aquel que lo desee, sea aficionado o profesional, también podrá mostrar sus fotos en el Festival. En esta edición, el tema propuesto es Elogio del futuro. Todas las fotografías recibidas se proyectarán en un sala de exposiciones y 30 de ellas (seleccionadas por la organización) se expondrán impresas en vinilo en los escaparates de varios comercios locales. Las imágenes se pueden enviar vía mail () hasta el 10 de agosto. Las bases y el formulario de inscripción se encuentran en la web del festival.

Como la información de prensa que hemos recibido es impecable, os reproducimos fragmentos casi íntegros a continuación. No podemos añadir nada mejor a priori sobre los trabajos expuestos.

*** PRENSA GETXOPHOTO

Después de tres años ejerciendo como comisario del festival, Frank Kalero se despedirá ofreciendo un tercer elogio, en esta ocasión, un Elogio de la infancia. De esta manera Kalero cierra un ciclo de tres años que a nivel de programación han tenido como nexo de unión el hecho de ofrecer un retrato de la libertad del ser humano en las diferentes etapas de la vida. En 2010 el tema elegido fue Elogio del ocio: el ocio es por excelencia el tiempo en los que los adultos realizan todo aquello que desean. Al año siguiente, fue Elogio de la vejez, un periodo en el que el ser humano, si de algo dispone, es de mucho tiempo para mostrarse tal y como es. El ciclo se cierra con un Elogio de la infancia, la etapa en la que aparentemente somos absolutamente libres, sin obligaciones y condicionantes con los que nos carga la vida.  

Para ello ha seleccionado una veintena de trabajos que abarcan múltiples aspectos que rodean a la infancia, historias que abordan temas tan diversos como la amistad entre niños (Alessandra Sanguinetti), la adopción de niñas chinas (O Zhang), los veranos interminables (Margaret M. De Lange), los cuentos clásicos infantiles y los modernos superhéroes (Jan von Holleben), los álbumes familiares (Jon Uriarte), las fiestas de cumpleaños (Vee Speers), o las noticias que ofrecen los medios (Jonathan Hobin). 

Tal vez por su relevancia cabe destacar la serie The adventures of Guille and Belinda and the enigmatic meaning of their dreams de la prestigiosa autora argentina Alessandra Sanguinetti, miembro de la Agencia Magnum, quien retrató y exploró la relación entre dos primas a lo largo de varios años.

Otro trabajo reseñable es el trabajo sobre la adopción de niñas chinas Daddy and I del autor chino O Zhang. Desde que en 1991 China flexibilizó sus leyes más de 55.000 familias estadounidenses adoptaron niños en China, todas ellas niñas. Este proyecto abarca ciudades de las áreas más pobladas de Estados Unidos, como New York, New Jersey o Connecticut. Fotografiando niñas chinas con sus padres varones occidentales el autor, además de captar el afecto entre ellos, ofrece una sutil metáfora sobre el desplazamiento del poder de occidente a oriente, y plantea interrogantes sobre cómo se mira las familias multiculturales en sociedades como las nuestras tan llenas de prejuicios.

El fotógrafo alemán Jan von Holleben, con una gran influencia de su padre cineasta y su madre terapeuta infantil, muestra su gran fijación por la representaciones visuales de la niñez. Inspirado por los clásicos cuentos infantiles así como por los modernos superhéroes, ha venido produciendo desde 2002 la serie Dreams of flying con niños de su barrio, creando un universo de fantasía donde los personajes buscan tesoros en el fondo del océano o son capaces de volar.

También destacable es el controvertido trabajo del fotógrafo canadiense Jonathan Hobin quien en su serie In the playroom muestra a niños procesando a través del juego todo aquello que los adultos nos obsesionamos en mantener apartado de lo que consideramos sus ingenuas y débiles mentes: las noticias que los medios arrojan diariamente en tiempo real.

Para finalizar, el joven fotógrafo de Hondarrabia Jon Uriarte se apropia de su propio álbum familiar de fotografías y, transformando su uso, plantea cuestiones sobre las cualidades de la fotografía como herramienta de la memoria íntima y sus límites tanto formales como conceptuales.

Otros autores que participarán en esta edición de Getxophoto 2012 son:

• Tereza Vlckova. Two (Chequia)
• Sofie Knijff. Translations 2010 (Holanda)
• JeongMee Yoon. The pink and blue project (Corea del Sur)
• Roger Ballen. Boarding house (Sudáfrica)
• Javier Tles. Ultraniños (España)
• Paola de Grenet. Pink dreams (Italia)
• Jill Greenberg. End times (EEUU)
• Jacqueline Roberts. Kindred spirits (Francia)
• Ilona Szwarc. American girls (Polonia)

Alessandra Sanguinetti

Jan von Holleben

Jon Uriarte

Jonathan Hobin

Margaret M. de Lange

O Zhang

Teresa Vlckoba

Mae West de Rita McBride, es una escultura de 52 metros de altura, está en Múnich y a día de hoy es la mayor obra de arte público de Europa.

“Day After Day” (Alexander Hick, 2011) es una película documental que trata de la relación que tiene la gente de la calle con Mae West, y aquí está el milagro. Cada uno expresa su opinión, como es lógico… pero todos tienen algo en común. Mae West, ese enorme armazón de fibra de carbono, consigue poner romántico y nostálgico al corazón alemán más blindado.

Decir que las relaciones son cosa de dos o más es una obviedad, pero saber dónde estamos posicionados en ese tándem no es tan fácil e implica una mirada generalmente templada, distanciarnos unos cuantos metros de nosotros mismos y asumir nuestra parte. No es poco.

En un código narcisista, como en el balancín de un parque, sólo hay dos posiciones posibles. La presencia de emotividad es codificada como algo bajo, indeseable, siendo el ideal la frialdad, la total neutralidad afectiva. Pero nuestra Mae West, gris, fría y altiva, ya ocupa ese lugar y el buen alemán de a pie ha de colocarse, sin remedio, en el asiento que queda para equilibrar esa balanza. En pocos minutos el documental se convierte en una galería de vecinos románticos, emotivos, demandando afecto, demandando parterres con flores y llenos de nostalgia. Unos confiesan su deseo de pasar con el tranvía por debajo, otros buscan su utilidad en un enorme árbol de Navidad.

Decía Ray Loriga que las mujeres cuentan con sus… como los Estados Unidos cuentan con sus… no están acostumbrados a la derrota, ni las mujeres, ni los Estados Unidos. Mae West les ha cogido el sitio a los alemanes, ellos tampoco están muy acostumbrados.

Fotograma de la película "Day After Day" de Alexander Hick (2011)

Juliana Henao, microgrant Fototazo.

Fototazo es un maravilloso proyecto creado en 2011 por Tom Griggs, un fotógrafo y educador que vive entre Medellín (Colombia) y Philadelphia. Entre sus objetivos, sufragados a base de donaciones, está el contribuir, mediante microbecas, a conseguir equipo y formación a los chavales sin recursos económicos de Colombia que demuestran tener talento y compromiso hacia la fotografía, y ayudarles a desarrollar una carrera profesional en este proceloso mar. Para ello cuentan con un equipo de profesores de la Escuela de Arte y Diseño de Boston o la propia Universidad de Medellín, entre otros, que ayudan y tutorizan a los jóvenes fotógrafos. También han invitado a colaborar con ellos a blogueros como nuestro admirado Wayne Ford.

Profundamente implicados con la fotografía contemporánea en Latinoamérica, hace poco han colaborado con el número 54 de la revista F-Stop, dedicado al tema, y tienen una gallería en la que publican cada miércoles y sabado un porfolio de entre todos los recibidos. Tú también puedes participar si quieres.

Evzen Sobek, "Live in blue".

Su sección de enlaces es impresionante pero no entres buscando enlaces externos, son a sus propios contenidos ordenados por categorías: ensayos, crítica de exposiciones, grupos de debate, porfolios, entrevistas... Por cierto, no dejéis de visitar esta última sección, contiene sorpresas como el último trabajo del checo Evzen Sobek "Live in blue", que alegran el verano. Kehrer (Heidelberg, Alemani) lo ha editado en forma de libro.

Francisco Reina

El próximo miércoles se inaugura en el Círculo de Bellas Artes de Madrid la exposición "Pasión: Fotografías en la azotea", una muestra colectiva que recoge el trabajo de los 50 alumnos del Master Internacional de Fotografía de la escuela EFTI. Hasta el 29 de agosto.

"Una muestra en la que se atrapa la vida, se cuentan pequeñas historias, se define el pasado, se marca el futuro, se muestra a los otros y te muestras a ti mismo, se entiende la luz, se capta el silencio, innovar y seguir la tradición van de la mano, entender la naturalidad… una muestra en la que se siente la vida".

Simone Maestra, "Once upon a time".

La estación de Adif de Santander acogerá del 24 de julio al 27 de agosto la exposición de la 26ª edición del concurso Caminos de Hierro, el cual, año tras año, sigue sorprendiendo por el nivel que consigue y también por la lista de nombres conocidos que congrega, todos ellos sin premio. Es lo que tienen los concursos, son una lotería, como ya decía muy bien el gran Alec Soth (ver post Cienojos).

José Luis Cuevas, "La apestosa".

Ojos rojos es una revista online creada por Mili Sánchez y Mike Steel. La presentaron en febrero de 2012 y ya llevan tres números publicados. Los dos primeros los han compilado ahora en un Issuu y el tercero sigue en formato blog, que a mi personalmente me gusta más. Partiendo de un manifiesto que es toda una declaración de principios ("Queremos ser una revista y ser una comunidad", "contar con los grandes maestros para aprender de ellos a través de entrevistas", "buscar jóvenes talentos que nos enseñen nuevos caminos"...), la revista se estructura en diferentes secciones (Entrevistas, Sangre fresca, Latinoamérica, Nombre propio, La pieza...). En este número podéis encontrar sendas entrevistas con el veterano Miguel Oriola y Díaz Maroto, Conservador de la Colección Alcobendas; disfrutar el trabajo de Luis Vioque o José Luis Cuevas, del que ya hemos hablado aquí alguna vez porque nos gusta mucho; conocer al colectivo Gea Photowords; leer un análisis de la fotografía de Avedon "The Chicago seven", escrito por Elena García Ayala, editora gráfica de El País Semanal, y descubrir a Bea Sancho. También tienen un blog y sus puertas abiertas para los que queráis enviarles vuestro trabajo (aquí están las directrices que dan).

"Stand your ground" en You Tube

Recibí este video, "Stand your ground", hace un año, gracias a Óscar Ángel Rey Soto, y se me había perdido en la lista de cosas pendientes de publicar. Pero he vuelto a encontrarlo y creo que es importante que lo vea quien no lo haya hecho ya. Es un video que realizaron los del Festival London Street Photography en junio de 2011 para explicar que en Inglaterra no existe ninguna ley que impida a un fotógrafo (aficionado o profesional) hacer fotos o grabar video en la vía pública, por mucho que se empeñen los seguratas con aires de mafiosos obsesionados con el terrorismo islámico. Además, sin una orden judicial, la policía no puede tocar las cámaras ni ver las imágenes captadas. Y así se demuestra en el video. ¿Y en España???

Paco Gómez: Abuelo y nieto

El CAF de Almería y la Fundación Foto Colectania (que custodia sus negativos) inauguraron el pasado 23 de julio en la ciudad andaluza la primera exposición retrospectiva de Paco Gómez (1918-1998). Orden y desorden incluye más de cien fotografías originales del que para Ramón Masats fue el mejor fotógrafo de su generación.

Aunque no es muy conocido por el gran público y él siempre se consideró como amateur, la importancia de Paco en la fotografía española de los 60 y 70 es innegable. Su abstracción y simbolismo, fruto de una profunda visión de su entorno, se alejaba con fuerza del documentalismo imperante en la época. La ruina y la decadencia le atraían especialmente. Muy recomendable.

Paco Gómez: Luz y sombra

Dublin (1966)

Hace unos días, en el marco del Festival Photoireland, pude visitar una exposición en la Gallery of Photographie de Dublín sobre Evelyn Hofer (1922 Alemania, 2009 México) que resultó ser una joya. Leo interesada en la red (no hay mucho sobre ella) que fue una mujer independiente y viajera, que pasó los primeros años de su vida huyendo con su familia de los fascismos europeos, que estuvo varias veces en España (vivió en Madrid hasta la llegada de la dictadura de Franco y años después, con la democracia ya instalada, volvió al País Vasco, para realizar un libro sobre este territorio) y que realizó numerosas colaboraciones editoriales con escritores especializados en viajes como Mary McCarthy, V. S. Pritchett y James Morris.

Dublin (1966)

Formada en Nueva York, a las órdenes del gran Alexey Brodovitch, Director de Arte de Harper’s Bazaar, y reconociendo la importante influencia en su trabajo del pintor Richard Lindner, que la "enseñó a mirar", Evelyn era una magnífica fotógrafa que sólo trabajaba con cámara de gran formato y dominaba la técnica a la perfección (de hecho, fue profesora muchos años). Pero lo interesante de su trabajo no reside únicamente en su maravillosa capacidad para captar la luz y los detalles que reflejan sus "instantáneas" urbanas o la búsqueda incansable de la belleza que la impulsaba, sino la modernidad intemporal que respiran sus retratos, sobre todo los de color (aunque datan de los años 60!). Heredera de la más pura tradición alemana, con Auguste Sander como maestro, Evelyn consiguió dar un paso más allá, alejarse de la rigidez germánica y crear imágenes cálidas y habitables, igual de perfectas en su ejecución pero más cercanas y honestas con sus protagonistas porque se sumergía en cada uno de ellos el tiempo que hiciera falta, hasta conseguir encontrar un algo de ella misma en el otro, una conexión de definiera su propia identidad:

"In reality all we photographers photograph is ourselves in the other... All the time".

Evelyn Hofer

"Evely Hofer", Steidl (2005)

Steidl le publicó en 2005 una retrospectiva un poco antes de que muriera, que incluye hasta sus últimos trabajos, unos bodegones impresionantes que vuelven a contener el mismo aliento que sus imágenes anteriores, aunque no compartan género y los separen décadas. Difícil, ¿verdad?.

Pollock Studio, Long Island, N.Y. (1988)

Terminó viviendo en México, donde se estableció definitivamente y murió hace apenas unos años. El New York Times le dedicó entonces un artículo extenso, de donde he extraído parte de la información que referencio en este texto.

Podéis ver más imágenes sobre ella en el blog del New York Times Lens o leer una biografía más extensa en Utata (colectivo de fotógrafos).

No sé por qué tenía la página de Rafa Cárceles abierta hace días en mi navegador. Tampoco sé quién es ni cómo he llegado a él pero da igual. Echadle un vistazo a sus diarios y ensuciaos las manos!.

"La fotografía no agota el recuerdo, sin embargo corremos el riesgo de que el tiempo lo sustituya por solas imágenes. Esto no es un diario es el intento de no conformarme a esta lógica de la sustitución. La fotografia se convierte entonces en un punto de encuentro, en un principio insinuante, el lugar desde el que se evoca, una imagen que sugiere a otra imagen, la fotografía se convierte en el pretexto de aquello que excede lo representado y que tiene su lugar en la memoria".

Dentro de poco empezará la tercera edición de Lima Photo, una feria internacional de galerías de arte especializadas en fotografía que se celebrará en el Centro de la Imagen de Lima (Perú), del 8 al 12 de agosto, con presencia de Argentina, Chile, Colombia, Cuba, España (Espacio Mínimo repite, con Erwin Olaf, Liliana Porter y Miguel Ángel Gaüeca como representados), EEUU, México, Perú y Uruguay. De forma complementaria, habrá un programa de conferencias pero aún no lo tienen publicado. También convocaron un premio, patrocinado por Repsol, cuya la lista de finalistas se puede consultar en su web. Hay nombres interesantes.

"Los zoológicos ponen en evidencia una tensión entre lo natural y lo artificial. Los animales son recluidos en escenarios que contienen elementos manufacturados y elementos naturales controlados por el hombre. Las ramas, las hojas y la tierra se mezclan con la pintura de los decorados. El cemento convive con la vegetación. Este intento de recrear lo salvaje en un entorno urbano produce una especie de naturaleza artificial que queda suspendida en terreno de nadie".

Y exactamente eso es lo que me han transmitido sus imágenes, un extrañamiento respecto a la realidad fotografiada que desconcierta. ¿Esos animales están vivos o muertos? ¿Han sido encerrados por los humanos o son los humanos los encerrados por ellos? ¿Se puede vivir así? ¿Es la muerte en vida o la vida en muerte?... A Cynthia le obsesiona el tema de la muerte, está claro (aunque ella es pura vitalidad!), y sus trabajos respiran, en cierta forma, un lejano olor a formol que resulta desasosegante, un aire enrarecido que me dejó revuelta. A ver qué os parece a vosotros...

Pablo Axpe

Leo sonriendo un magnífico artículo en el blog de Spottorno, que recoge, a su vez, el hilo de la conversación iniciada en el blog de Blank Paper, en el que planteaban la pregunta que preocupa a tantos: ¿se puede vivir de la fotografía hoy en día?. Estoy absolutamente de acuerdo con Carlos cuando afirma, con su contundencia habitual, que se puede vivir perfectamente de la fotografía si tenemos una visión amplia del medio y desarrollamos capacidades diversas (idénticas a las empresariales), aceptando trabajos de encargo (¿por qué no? Cartier-Bresson, Avedon, Newton, Gibson, Madoz y muchos más lo hicieron) porque "de lo que no se puede vivir es del cuento":

"A cambio de estos trabajos de encargo, nos darán euros, o dólares, con los que podremos ir a fotografiar los descampados solitarios que tanto nos gustan, autoeditarlos, y celebrarlo con nuestros colegas fotógrafos bebiendo absenta y recitando a Beaudelaire.

Una cosa no quita la otra. A los que creen que no es posible vivir de la fotografía, les aclaro una cosa: lo que no es posible es vivir del cuento, pero de la fotografía es perfectamente posible. Eso sí, hay que meterse en la cabeza que un fotógrafo es una empresa de servicios y por lo tanto necesita una inversión en formación, análisis de mercado, marketing, contabilidad, optimización de recursos, asistir a festivales y encuentros, estrategia de redes sociales, plan de exportación y todo lo que las empresas hacen normalmente".

La Fotografía es un medio escurridizo, bastardo y precario, parafraseando a Schaeffer, cuya riqueza precisamente la constituye su estatuto complejo. Fotografía es lo que hacen las agencias inmobiliarias para vender sus pisos, fotografía es lo que hacen los forenses para documentar sus autopsias, fotografía es lo que hacen las agencias publicitarias para seducirnos, fotografía es lo que hacen los autores para contarnos su visión subjetiva del mundo... Abre tu mente y busca nuevas posibilidades en las que desarrollar tus capacidades fotográficas. Valga como ejemplo Pablo Axpe, un joven fotógrafo de Barcelona al que conocimos en el visionado de porfolios de Photoireland. Con tan sólo 22 años y su Grado en Fotografía por el Idep recién estrenado, ha decidido simultanear sus proyectos personales con la fotografía de producto, desafiando a sus profesores que condenaban el género. Sin embargo, Pablo ha abierto los ojos, se ha sumergido en el mundo de las tres dimensiones (¿de qué otra manera se puede concebir hoy en día la fotografía de producto?) y se ha especializado en iluminación para CGI, es decir, en iluminar la virtualidad y los objetos sintéticos. ¿Algún problema?. Y quién sea capaz de decir dónde están los límites, que inicie el debate.

"Tokyo score", José Antonio Bautista.

Estudiar fotografía fuera de Madrid o Barcelona es una aventura difícil. Los que vivimos en la periferia disponemos de poca oferta formativa y la disponible no suele ser especializada. Pero en Valencia la escuela Blank Paper tiene sede y acaban de abrir el plazo de matrícula. Su oferta incluye talleres de autor (Cristobal Hara), sobre cuestiones prácticas (edición de libros), seminarios (aún en construcción), cursos cuatrimestrales (con tres niveles: iniciación, avanzado y seguimiento de proyectos), dos de ellos especializados en historia y digital, y un curso anual, dirigido por Julián Barón. Los precios oscilan de los 430€ de los cuatrimestrales a los 1.950€ del anual. Otorgaban una beca para realizar este último pero el plazo ya acabó y la ganadora ha sido Miriam Ortuño Ferrer. Muchas felicidades!

Miriam Ortuño Ferrer, ganadora de la Beca Blank Paper Valencia.

Hace unos días, en el marco del Festival Photoireland, el creador de la editorial londinense Dewi Lewis y antes de ésta de la prestigiosa Cornerhouse, en Manchester (Centro para las artes visuales y fílmicas contemporáneas y Editorial a la misma vez), impartió una charla magnífica sobre su especialidad, la publicación de photobooks. Después de analizar la situación actual, introdujo algunas ideas que para él definían la tendencia del sector.

En primer lugar, insistió en la absoluta necesidad de la involucración de los autores en todos los procesos de producción de un libro, incluída la búsqueda de financiación. Y para ello habló con mucha claridad de costes, porcentajes y estrategias de marketing, así, nada más empezar su intervención. Señores, hacer un libro cuesta esto, esto y esto. A eso sumen estos otros costes, cuenten el número de ejemplares que se venden, de media, y hagan sus cuentas. De hecho, otros editores más pequeños que estaban en la sala, confirmaron que ya era una práctica habitual para ellos: el autor asume un porcentaje de la producción y la editorial otro. Y sobre los beneficios de las ventas se aplican los mismos porcentajes a la hora de repartirlos. Así, los autores se implican en todas las fases, de la producción a la promoción, distribución y venta. Así están las cosas.

Aquellos interesados en mandar su trabajo a una editorial para que se lo publiquen, Dewi dijo que, con sinceridad, ellos no sabían nunca qué buscaban a priori, aunque la relevancia internacional de los temas abordados, la posibilidad de interesar a un público amplio, era decisiva en su caso, ya que su mercado es internacional. Habló de la "caducidad" de algunos temas y recomendó ser estratégicos a la hora de elegirlos, teniendo muy en cuenta lo que llamó "la escala temporal" (lo que se tarda desde que se acaba un trabajo fotográfico hasta que se consigue editarlo y ponerlo en distribución en el mercado de los libros).

En cuanto al futuro que se acerca, fue muy claro. Invitó a los jóvenes fotógrafos a investigar los nuevos formatos electrónicos "porque ese lenguaje aún no está creado". Un libro digital no puede ser un mero volcado de la versión impresa, eso no funcionará jamás. Sin embargo, frente a lo que esperábamos oir, que si no se compran suficientes libros, que si no hay cómo ni dónde distribuirlos, Dewi insistió que, desde su punto de vista, el mayor problema que nos encontraremos en unos años será la dificultad de encontrar buenos lugares donde imprimirlos (se refería a offset). Según se reduzcan los encargos generalistas para este tipo de impresión (libros, revistas, publicidad impresa...) , las empresas se verán obligadas a desaparecer. De los photobooks exclusivamente no vive ninguna, ni siquiera Steidl.

La editorial Dewi Lewis incluye en su catálogo trabajos de Michael Ackerman, Anders Petersen, Martin Parr y Simon Norfolk, entre muchos más consagrados, pero sobre todo apuesta por trabajos de autores desconocidos para nosotros pero muy interesantes, como "Transit", de Espen Rasmusen; "In the face of the silence", de Christophe Agou o "The birthday party", de Vee Speers, que tuvimos la oportunidad de conocer en la inabarcable exposición de libros del festival, que aún se puede visitar hasta el fin de semana en Dublín.

Dewi Lewis, además, es el creador e impulsor del European Publisher Awards for Photography, una colaboración entre seis editoriales europeas (Actes Sud -Francia-, Blume -España-, Apeiron -Grecia-, Kehrer Verlag -Alemania-, Peliti Associati -Italy- y ellos mismos) que nació en 1994 para ayudar a dar visibilidad a los libros fotográficos. Para participar sólo hay que mandar una maqueta y la ganadora es publicada por todas las editoriales participantes en sus respectivos países. El último afortunado en 2012 fue Davide Monteleone, por su proyecto "Red Thistle". La nueva convocatoria de abrirá a final de año.